Nico Fidenco
El “Ché” Guevara (1969)
Beatrecords Company BCM 9513
19 brani (17 di commento + 2 canzoni) - durata: 43' 11"

 
La pellicola di Paolo Heusch El “Ché” Guevara ricostruisce le ultime gesta del rivoluzionario sudamericano ucciso in Bolivia nell’ottobre del 1967 e trae ispirazione da un instant book di Adriano Bolzoni. Le musiche portano la firma di Nico Fidenco, allora già attivo da qualche tempo nel panorama cinemusicale italiano. Rieditata di recente dalla Beatrecords in questo CD di durata maggiore rispetto ad un’edizione in 33 giri contemporanea all’uscita del film, la partitura di Fidenco appare oggi apprezzabile per il tentativo di fondere il suo abituale e ammiccante approccio canzonettistico con citazioni etniche e con accenni orchestrali un po’ più articolati del solito.

Riz Ortolani
Le Calde Notti Di Lady Hamilton / Tenderly / Cari Genitori (1967-1968-1973)
GDM  Music CD CLUB 7077
23 brani – durata: 55’00”

Edizione speciale limitata in 500 copie, prodotta da Gianni Dell'Orso e curata egregiamente da Claudio Fuiano, della musica che Riz Ortolani compose per tre film, tra la fine degli anni '60 e i primi anni '70.
Le calde notti di Lady Hamilton è un film drammatico in costume, diretto nel 1967 da Christian Jaque, liberamente ispirato al romanzo “Emma Lyon” di Alexandre Dumas.

Armando Trovajoli
Cattiva (1991)
GDM /Legend 8018163042043 CD
16 brani – durata: 42’00”

Edizione limitata a 500 copie per la colonna sonora composta e diretta da Armando Trovajoli per Cattiva, film drammatico diretto da Carlo Lizzani su soggetto di Furio Scarpelli e sceneggiato da Francesca Archibugi, che ritaglia su Giuliana De Sio il personaggio di Emilia Schmidt, ricca signora della borghesia zurighese ricoverata in una clinica psichiatrica dopo la morte della figlia.
La donna vive una drammatica stagione di cura in bilico tra una diagnosi di schizofrenia che la condannerebbe per sempre ed una semplice nevrosi curabile attraverso i nuovi metodi Freudiani.

Francesco Cerasi
Gli equilibristi (2012)
Warner Music Chappell Italia
16 brani – Durata: 31’08”

Solo in un paese che “non è per giovani” può impunemente passare il concetto che un compositore classe 1980, attivo già da quasi dieci anni, venga considerato un “giovane emergente”, e come tale iscritto d’ufficio alla folta schiera dei “nuovi Morricone” nella quale, ormai, sarà il caso di prendere il bigliettino e mettersi diligentemente in coda…
 L’idea diviene già più accettabile se attraverso di essa si vuole indicare un felice ricambio generazionale di metodi e di stili rispetto non solo alla scuola morriconiana ma anche all’ondata successiva (Piovani, Piersanti): un passaggio di consegne che vede senz’altro oggi in prima linea figure come Cerasi, Pasquale Catalano, Teho Teardo o (in misura più defilata e discontinua, e comunque parliamo già di 40-50enni…) Andrea Guerra, Giovanni Venosta e Paolo Buonvino.
 Il musicista pugliese (saluto doverosamente un compaesano…) possiede però rispetto a molti suoi colleghi una dote particolarmente significativa e rara: che potremmo riassumere in una specie di delicata intensità, una capacità cioè di toccare corde profonde dell’ascolto con un’estrema economia di mezzi strumentali (spesso pura musica da camera), il che non significa affatto “minimalismo” (termine ormai logorissimo) o strategia del “massimo risultato col minimo sforzo” bensì, più intelligentemente e utilmente, la valorizzazione delle risorse espressive attraverso procedimenti di “sottrazione” sonora che esaltino – proprio con la riduzione delle impalcature esteriori – l’essenza intima del decorso musicale, le sue allusioni, la forza di penetrazione delle idee melodiche e tematiche, il “colore” (elemento centrale nella musica di Cerasi) del suono stesso e quindi delle atmosfere da esso suscitate.

AA.VV.
Django Unchained (Id. – 2012)
Republic 602537270286
24 brani (7 dialoghi + 10 canzoni + 7 di commento) – durata: 54’30”

Ogni azione è la conseguenza di un’altra che a sua volta ne porta un’altra ancora e così via, fino alle conseguenze finali piacevoli o sgradevoli a seconda dei casi, che forse (quasi sicuramente!) ne scateneranno altre sino all’infinito! Questa casualità di azioni (il più delle volte non poi così tanto casuali, a dire il vero!) sono l’humus della scrittura e regia del Cinema di Quentin Tarantino, fin dal suo straordinario esordio nel 1992 con Le iene (Reservoir Dogs). Le sue pellicole sono la conseguenza di una vita spesa al e per il cinema, che gli è entrato profondamente nel DNA, facendo sì che lo assorbisse a tal punto da creare una serie di capolavori (checche se ne dica!), per la precisione, ad oggi, nove film (su tutti Pulp Fiction, Kill Bill Vol. 1 & 2, Bastardi senza gloria), che rappresentano la summa di tutta la sua passione e arte cinefila, con colonne sonore strepitose.

Nick Cave, Warren Ellis/AA.VV.
Lawless (Id., 2012)
Sony Classical 88725455472 
13 brani + 1 bonus track – Durata: 41’06”

Nick Cave è un uomo-orchestra, nell’accezione non solo musicale ma più generale del termine: i suoi interessi sono molteplici, spaziando dalla musica al cinema, dalla recitazione alla scrittura.  A ciò si aggiunga la sua nascita australiana, che ne fa un uomo “senza confini” per definizione, una creatura agli antipodi, spigolosa e allergica ad ogni forma di prevedibilità, dalla storia personale complicata (compresa un’adolescenza “difficile”) e dagli interessi difficilmente circoscrivibili a ruoli prestabiliti.
 Artista “alternativo” per antonomasia, Cave concepisce l’attività di musicista, compositore, strumentista, sceneggiatore, romanziere, poeta e occasionalmente attore come un “unicum”, come alcune delle possibili facce di una sola personalità: di qui il mix di generi che si percepisce chiaramente  nella sua musica, in un arco di suggestioni che vanno dal rock al country, dal punk al cosiddetto “bluegrass” (il country contaminato da influenze europee, anglo-scozzesi in particolare). Una miscela perfetta per i soundtrack del regista suo compatriota John Hillcoat, con il quale Cave (insieme al sodale Warren Ellis, sorta di Rasputin del rock alternativo australiano e già violinista delle sue band The Bad Seeds e Grinderman), da oltre vent’anni collabora sia come sceneggiatore che autore delle musiche.

Giuliano Taviani/Carmelo Travia/AA.VV.
Viva l’Italia (2012)
GDM 4024
19 brani (13 canzoni + 7 di commento) – durata: 60’00”

Quanto sarebbe bello se tutti i nostri politici sbroccassero e incominciassero a dire la verità, soltanto la verità, invece del solito cumulo di bugie a cui ci sottopongono da anni, rendendosi più veri, reali, espiando le loro molteplici colpe e facendo si che il nostro Paese sia davvero un Paese più libero, democratico e sano?
Al bravissimo Michele Placido in Viva l’Italia, nel ruolo di un bieco, viscido politico ad alti livelli, accade proprio quello che mi chiedevo all’inizio di questa recensione: sbrocca di brutto a causa di una malattia (presunta o reale?) ed incomincia a dire tutta la verità, sbuttanando sia i tre figli straraccomandati (Bova, Gassman, Angiolini) che colleghi, amici, etc. con le conseguenze tragicomico-surreali del caso. Ed una vena dolceamara da vecchia commedia italica che non guasta, anzi rinforza il tutto!

Claudio Simonetti
Dracula 3D (2012)
Deep Red DR008, cd + dvd
Cd: 46 brani – Durata: 70’00”
Dvd: “Kiss me Dracula” (videoclip), “The making of ‘Kiss me Dracula’”, “Simonetti Horror Project” (video originale del 1991)  – Durata: 67’23”

Probabilmente l’esperienza dei Goblin, il gruppo di progressive rock fondato a metà degli anni Settanta da Claudio Simonetti e Massimo Morante, sarà destinato a lasciare una traccia più visibile nella cronistoria del cinema italiano di genere degli ultimi quarant’anni, grazie ai soundtrack ad esso dedicati, piuttosto che in quella della musica. Ed è un peccato – oltre che un errore – perché la spinta innovativa che questa esperienza ha prodotto anche all’interno degli ambienti un po’ polverosi del rock italiano è stata senza dubbio decisiva e fortissima.
 Nella sua formazione standard composta da Simonetti, Walter Martino (come Claudio un figlio d’arte, e cioè di Bruno Martino – 1925/2000 – l’indimenticabile “crooner” di “E la chiamano estate”), Morante, Fabio Pignatelli e Agostino Marangolo, i Goblin elaborarono proprio attraverso i lavori cinematografici in special modo per il cinema di Dario Argento, da Profondo rosso in poi, una raffinatissima commistione fra rock sinfonico, heavy-metal, altissima tecnologia e reminiscenze rigorosamente classiche, anzi addirittura barocche, sicuramente anche grazie alla formazione accademica di Simonetti, formatosi in composizione e pianoforte al Conservatorio di Santa Cecilia. Di qui la struttura implacabilmente governata, geometrica, “scritta” delle loro musiche, con omaggi alla tradizione classica che in taluni casi risalgono addirittura sino a ripercorrere percorsi e architetture sonore di evidente derivazione bachiana, come in Suspiria, Tenebre o Phenomena.

Ennio Morricone
La migliore offerta (2013)
Warner Chappell Music Italiana
19 brani – Durata: 54’00”

Non si può non constatare con soddisfazione l’apertura di un dibattito, persino sui massmedia a larga diffusione, intorno alle sorti della musica cinematografica italiana e dei suoi esponenti, così poco profeti in patria almeno quanto corteggiati e valorizzati all’estero (si vedano i casi di Dario Marianelli, fresco di nuova nomination all’Oscar per Anna Karenina, ma anche di Beltrami, Guerra, Giacchino ecc.): buon ultimo, un bell’articolo di Andrea Morandi su “Repubblica” del 10 gennaio analizzava con competenza il fenomeno della “fuga di pentagrammi” anche attraverso dichiarazioni di prima mano dei protagonisti (Piovani, Piersanti, Guerra). Siamo un qualche decennio in ritardo rispetto agli specialisti sulla scoperta del fenomeno generalmente inteso (cioè del ruolo fondamentale della musica cinematografica e della sua storica, vergognosa sottovalutazione da parte della filmologia e musicologia ufficiali italiane), ma come si dice è meglio tardi che mai.
 Naturalmente il riflesso condizionato, sempre a livello massmediologico diffuso, è quello di inneggiare a “nuovi Morricone” ad ogni piè sospinto (sorte che sembra toccare particolarmente a Teho Teardo, forse per la sua innata vocazione sperimentale e antidescrittiva). Bisognerebbe andare più cauti nei giudizi e nelle etichette, ma anche qui occorrerà farsene una ragione.

Tom Tykwer, Johnny Klimek, Reinhold Heil
Cloud Atlas (Id., 2013)
Water Tower Music WTM39384
21 brani – Durata: 77’25”

Se dieci mani vi sembran troppe per un soundtrack vuol dire che non conoscete il “metodo TKH”, varato nell’ormai remoto 1999 con Lola corre e via via consolidatosi in una serie di opere che definire visionarie è limitativo, e che ha toccato il proprio apice nel 2006 con la temeraria e sfrenata trasposizione su schermo (e in musica) di Profumo, storia di un assassino, dal bestseller “infilmabile” di Patrick Süskind.
 No, per quanto deboli in matematica non abbiamo sbagliato a contare. Le mani sono dieci perché al collaudato trio di compositori formato dal (qui) co-regista Tykwer con i suoi due più fedeli sodali devono aggiungersi i fondamentali contributi di Gabriel Mounsey in qualità di aiuto-orchestratore e “programmer” e di Gene Pritsker quale co-compositore: entrambi facenti parte di quel vero e proprio “collettivo” creativo-cine-musicale che fa capo appunto a Tykwer e che rappresenta, in Europa ma anche altrove, un caso unico per l’abilità diabolica con cui un team di giovani musicisti di area germanofona si dimostra capace di mediare funambolicamente fra suggestioni e nostalgie sinfoniche tardo-ottocentesche, pulsioni moderniste, avanguardie elettroniche e tensioni sperimentali.