Danny Elfman
Promised Land (Id., 2012)
Relativity Music Group
15 brani – Durata: 38’55”

Quinta collaborazione tra Elfman e Gus Van Sant, Promised land rappresenta il terzo lato di quel triangolo creativo che nell’ultimo periodo ha visto il compositore texano, 60 anni il prossimo maggio, suggellare il proprio lungo sodalizio con Tim Burton in Frankenweenie e cimentarsi con la figura del mago del brivido (quindi indirettamente col suo “maestro” Herrmann) per l’Hitchcock di Sacha Gervasi.

Fernando Velázquez
The Impossible (Lo imposible, 2012)
Quartet Records SM021
18 brani – Durata: 42’29”

L’elemento che maggiormente stupisce nei compositori per film della cosiddetta “giovane scuola” spagnola, intendendosi comunque per “giovane” gente che viaggia fra i 30 e i 40 (con alcune eccezioni: il 28enne Lucas Vidal), e che si sta rapidamente affiancando alla generazione degli ultracinquantenni come Javier Navarrete, Alberto Iglesias e Carles Cases, è l’impianto graniticamente “classico”, accademico, orchestrale, sinfonicamente “tradizionale” eppure costantemente rivissuto e rivisitato, delle loro partiture.
 Non è crediamo un caso (si pensi solo all’esempio di Roque Baños, la cui ultima, terrificante partitura per il remake di La casa dell’uruguayano Fede Alvarez ha letteralmente dell’”inaudito”) che tutti questi artisti pratichino parallelamente e continuativamente l’attività concertistica e sinfonica “pura” accanto alla musica cinematografica. E nemmeno è un caso che quasi tutti loro si siano segnalati e si dimostrino versati particolarmente nel genere horror: genere che da anni ormai vive nei paesi di lingua spagnola una “renaissance” almeno pari a quella proveniente dall’Estremo Oriente e che evidentemente, nell’estrema libertà formale e nella continua necessità di inventare soluzioni nuove, offre ai compositori occasioni preziose e irripetibili di sperimentazione, di innovazione, di sviluppo dei propri mezzi e delle proprie poetiche.

Francesco De Masi
La montagna di luce (1964)
Beatrecords Company CDCR 110
16 brani - durata: 43'25"

L’aspetto più sorprendente dell’imponente produzione letteraria di Emilio Salgàri (1863-1911), che consta di più di 200 opere tra romanzi e racconti avventurosi, è la precisione - raggiunta più che su base esperienziale grazie ad uno studio serio, per non dire ossessivo, di testi e mappe geografiche consultati presso biblioteche ed archivi - con cui lo scrittore veronese ricostruisce gli scenari esotici e descrive le usanze di popoli lontani.

Pino Donaggio
Passion (Id., 2012)
Quartet Records QRSM023
12 brani – Durata: 48’04”

Pino Donaggio
Prova d’innocenza (Ordeal by innocence, 1984)
Kritzerland KR 20018-5, partitura respinta – Edizione limitata 1000 copie
10 brani + Bonus suite – Durata: 33’58”

Se concordiamo con quanto testimoniato da compositori come Paul Chihara o Christopher Young, che l’esperienza l’hanno vissuta direttamente, e cioè che non si è un vero compositore hollywoodiano se almeno una volta non ci si è visti respingere e sostituire una partitura, allora possiamo dire che Pino Donaggio ha subìto questo sgradevole “battesimo” quasi trent’anni fa: quando il suo score insinuante, sensuale e sofisticato per il thriller di Desmond Davis Prova d’innocenza  venne rimpiazzato da un assemblaggio jazzistico firmato da Dave Brubeck.
 Vedremo più avanti i motivi, ma ciò che qui preme sottolineare è come, per un musicista cinematografico di deciso profilo, poco disponibile a compromessi – se non nella misura di una giusta collaborazione fra le parti – e dotato di personalità forte, la strada spesso si riveli in salita anche quando sulla carta sembrano esservi tutti gli elementi per un’intesa totale con il regista e la produzione.
 Ecco perché, forse un po’ arbitrariamente, abbiamo accostato l’ultimo, raffinatissimo e intrigante lavoro del compositore veneziano per il “suo” Brian De Palma, e la pregevole edizione integrale che la californiana Kritzerland ha voluto dedicare al recupero della partitura “rejected” nell’84.

Paolo Vivaldi
Maternity Blues (2011)
Warner Chappell Italia WC-IT 215
20 brani + 3 canzoni – Durata: 60’03”

Esprimere, trasmettere o comunque tradurre il sentimento del dolore al cinema, e segnatamente nella sua componente musicale, è una delle imprese più ardue che possano pararsi dinanzi ad un compositore. Decine di nomi, anche illustri e blasonatissimi, sono naufragati incappando in tutte le trappole che la circostanza prevede: facile sentimentalismo, citazioni classicheggianti ad hoc, un melodismo lacrimevole e ripetitivo, spesso piagnucolante, il rifugio nelle tonalità minori come ultima spiaggia, e naturalmente un minimalismo (qui tocca circoscrivere la casistica al panorama italiano…) di riporto, che tenta spesso vanamente la carta della sottrazione emotiva attraverso una compressione della scrittura nella speranza di sortire l’effetto opposto.
 A questi rischi ci si sottrae tenendo salda la barra di un “discorso-percorso” musicale rigoroso, articolato su strutture e modelli classici padroneggiati con sicurezza ma non con sfrontatezza, invocando dall’orchestra un pathos fatto di tensione più che di perorazioni retoriche ad effetto, e distribuendo i timbri secondo una dialettica espressiva che coniughi la trasposizione sonora di ciò che viene raccontato sullo schermo con le più ferree regole del contrappunto.

Mychael Danna
Vita di Pi (Life of Pi, 2012)
Sony Classical 88725477252 
28 brani – Durata: 65’11”

Vi sono solo due argomenti più opinabili dell’assegnazione degli Oscar: la politica e il calcio.  Per la prima converrà sperare in tempi migliori, sul secondo non abbiamo competenze. Ma sulla legittimità della statuetta al compositore canadese già fedele, sottile e inquietante collaboratore delle parabole apolidi del cinema di Atom Egoyan, nonché autore di partiture insinuanti e fortemente “psicologiche” come quelle per Cuori in Atlantide o Ragazze interrotte, ovviamente il dibattito è aperto: stante anche il fatto che a concorrere c’erano almeno altri due score ai massimi livelli, il Lincoln di Williams e l’Argo di Desplat.

Umberto Scipione/AA.VV.
Il principe abusivo (2013)
GDM 4027
27 brani (6 canzoni + 21 di commento) – durata: 60’00”

Film di enorme successo al botteghino, Il principe abusivo, opera prima come regista (anche in veste di attore principale) di Alessandro Siani. Questa volta, dopo le diatribe tra Nord e Sud, si parla di divari tra ricchi e poveri, con la solita entusiastica e travolgente verve di Siani, coadiuvato da quel mattatore di Christian De Sica e dalla bellezza nobile di Sarah Felberbaum e da quella verace di Serena Autieri. Già compagno musicale di Siani per gli strepitosi successi al box office di Benvenuti al sud e Benvenuti al nord, Umberto Scipione torna a dar manforte all’attore-regista partenopeo con una colonna sonora dalle vigorose venature romantico-sinfonico-popolari.

Bruno Zambrini
Pazze di me (2013)
Edizioni Curci/Carosello Records 8034125842568
19 brani (4 canzoni + 15 di commento) – durata: 38’34”



Notte prima degli esami (2006), Notte prima degli esami oggi (2007), Ex (2009), Maschi contro femmine (2010), Femmine contro maschi (2011) e Com’è bello far l’amore (2012): sei film, un unico regista e compositore, Fausto Brizzi & Bruno Zambrini. L’ennesimo sodalizio cine-musicale che ha dimostrato fin dal suo esordio nel 2006 di essere efficace, forte e contraddistinto da una marcata linea romantica che favorisce ancor di più le storie d’amore narrate nelle pellicole brizziane. E ne è la riprova la loro settima collaborazione, il film Pazze di me (con un cast all women e il poco beato tra le donne Francesco – I soliti idioti – Mandelli), nel quale il Maestro Zambrini conferma, se ve ne fosse stato ancora bisogno, di essere la voce musicale idonea per Brizzi.

Kristian Sensini
Hyde’s Secret Nightmare (Id. - 2011)
Kronos Records KRONCD011  - Edizione limitata 250 copie
20 brani + 3 bonus tracks – Durata: 59’14”



Anche se esibisce titoli anglosassoni, parla inglese e sfoggia nei suoi protagonisti nomi esotici, l’horror indipendente italiano segna una fortissima discontinuità con l’analoga produzione d’oltreoceano e sembra piuttosto avere come modello quella stagione tra gli anni ’60 e ’70 in cui il genere conobbe un autentico rinascimento stilistico grazie soprattutto a Dario Argento, ma visse anche una fase di popolarità molto “pulp” con autori quali Lucio Fulci, Mario Bava, Ruggero Deodato, Umberto Lenzi, Antonio Margheriti e altri: artigiani – chi più chi meno talentuoso – dello splatter e del gore, immediatamente e imprudentemente assurti al rango di “maestri” da stuoli di fan ma, al di là dei giudizi di valore, in ogni caso fautori di una “laicizzazione” e legittimazione del genere in senso gioiosamente e anarchicamente libertario, senza cascami spiritualistici o misticheggianti, retroterra simbolisti o religiosi, alibi esistenziali o filosofici.

Ennio Morricone
Morricone Uncovered (2012)
Ennio Morricone, Romina Arena
Perseverance Records PRD 056
15 brani – Durata: 57’05”

Tempo fa, occupandoci di una bella antologia morriconiana con ospite d’onore il giovane soprano neozelandese Hayley Westenra (“Paradiso”, Decca-Universal), osservavamo come il rapporto fra il maestro romano e le voci femminili sia sempre stato un rapporto privilegiato, “d’amore”, a partire dai siderali vocalizzi originali di Edda Dell’Orso per venire all’incontro con star di ogni latitudine e scuola o genere, dalla lirica al jazz, dal rock alla canzone d’autore, voci professioniste o occasionali: Katia Ricciarelli e Milva, Mireille Mathieu e Renée Fleming, Dulce Pontes e Anna Moffo, Florinda Bolkan e Lisa Gastoni, Amii Stewart e Celine Dion, per citare le prime che vengono alla memoria…
 Molteplici i motivi di questo feeling: il principale forse risiede nella “cantabilità” distesa, amplissima, irraggiante del melodismo morriconiano, la cui orizzontalità armonica e intensità di fraseggio stimolano le doti di estensione “belcantistica” delle più talentuose, trasformando alcuni dei temi morriconiani in altrettanti lieder moderni di abbagliante, emozionante bellezza (si pensi solo a C’era una volta il West o C’era una volta in America…).
 Ciò premesso va tuttavia aggiunto che nella sua pur lunghissima carriera a Morricone non era forse mai toccato di incrociare una personalità e una storia come quelle che porta con sé Romina Arena: la quale, a soli 32 anni, ha già alle spalle una vita che sembra il frutto di una sceneggiatura scritta a quattro mani da Martin Scorsese e Wes Craven, sotto la supervisione dall’alto dei cieli di Krzysztof Kieslowski.