David Arnold, Michael Price
Sherlock Season 1, Season 2, Season 3 (Id. - 2010, 2011, 2013)
Silva Screen Records - B0078ZB73O, B007X2JV0S, B00I1A294G
CD 1: 19 brani – durata: 57’38”
CD 2: 19 brani – durata: 49’28”
CD 3: 23 brani – durata: 73’07”



Per la composizione dell’acclamatissima serie Sherlock, che sta battendo mille record in Inghilterra, sono stati scelti due artisti, David Arnold e Michael Price,  che hanno già lavorato insieme, in qualità di compositore e arrangiatore in occasione di Quantum of Solace, l’ultimo dei cinque film su James Bond per cui  Arnold ha composto la musica. Quest’ultimo viene da sempre riconosciuto per la sua strepitosa capacità di utilizzare strumenti comuni in maniera particolare (fu infatti per i suoi arrangiamenti che John Barry lo consigliò come compositore per i film dell’agente segreto 007) e Michael Price è uno dei più versatili musicisti che l’Inghilterra possa vantare, avendo collaborato alla realizzazione di Kolossal come la trilogia del Signore degli Anelli o il Codice da Vinci e di quasi tutti i film del regista neozelandese Richard Curtis. Anche in questa collaborazione vediamo infatti molte delle loro conoscenze impegnarsi al massimo per colpire nel segno.

Maurizio Filardo/AA.VV.
Tutta colpa di Freud (2014)
RTI/Sony Music/Lotus Productions/Medusa 88843042482
18 brani (5 di commento + 13 canzoni) – durata: 60’00”



Dal regista di Immaturi, Paolo Genovese, ecco a voi la commedia brillante con due fantastici Marco Giallini e Anna Foglietta (i migliori in assoluto in scena), attorniati da Vittoria Puccini, Vinicio Marchioni, Daniele Liotti, Laura Adriani e molte partecipazioni straordinarie (Claudia Gerini, Alessandro Gassmann, GianMarco Tognazzi e Maurizio Mattioli), Tutta colpa di Freud. Dopo aver collaborato con Andrea Guerra per i due film Immaturi, Genovese si affida al compositore Maurizio Filardo, il quale aveva composto, arrangiato e prodotto il brano “Il viaggio” di Daniele Silvestri per, appunto, il film Immaturi, il quale dona ancora più brio alla pellicola con Giallini e Foglietta mattatori, cospargendola di spensieratezza e un filo di malinconia trattenuta.

Clint Mansell, Philip Glass
Stoker (Id., 2013)
Milan Records M2-36621
11 brani + 1 monologo + 1 aria d’opera + 3 canzoni + 1 bonus track - durata: 53'42"



La generosa aneddotica in prima persona che il regista Park chan-Wook mette a disposizione nelle note di copertina non soddisfa sino in fondo la curiosità di chi si chiede come mai, per questo dramma gotico a forti tinte con Nicole Kidman nel cast, il compositore Philip Glass, uno dei padri del minimalismo, inizialmente contattato, sia stato alla fine protestato dalla produzione e sostituito con colui che a tutti gli effetti può ritenersi uno dei suoi migliori discepoli, ossia Clint Mansell, il musicista di fiducia di Darren Aronofsky (π il teorema del delirio, Requiem for a Dream, The Fountain).

Armando Trovajoli
Italiani brava gente (1965)
Beat Records BCM9533  
Cd 1 , 9 brani – durata: 48’00”
Cd 2, 32 brani – durata: 68’00”



Vi sono almeno due partiture che, ravvicinate nel tempo e per film di argomento assimilabile, stanno a dimostrare come Armando Trovajoli non sia stato solo il compositore eletto per la commedia all’italiana, l’autore di fortunati spettacoli musicali e il collaboratore del cinema di Risi, Scola e Magni, ma anche un musicista di forte vena drammatica ed epica: La ciociara (1960, Vittorio De Sica) e Italiani brava gente (1965, Giuseppe De Santis). Drammi bellici, individuali e collettivi, tragedie di persone e di popoli che trovarono il maestro romano, scomparso un anno fa, quasi istintivamente proiettato in una dimensione creativa dolorosa, a tratti cupa, ben lontana dalla sua vena più brillante, tradotta in architetture sonore imponenti, con un’orchestrazione di stampo classico-sinfonico che incorporava diversi elementi per così dire “interni” del racconto. Ma se La ciociara si caratterizza soprattutto per i forti chiaroscuri, le impennate improvvise di violenza sonora e una vena “popolana” intrisa di pathos, la partitura di Italiani brava gente rivela più la forma di un’opera corale tesa e grave, una specie di grande requiem per i caduti all’interno del quale affiorano, forieri di speranza e di umanità, alcuni temi romantici e lirici di grande impatto emotivo. Una partitura, tra l’altro, che s’inserisce nella struttura di un affresco narrativo nel quale musica, voci narranti e immagini formano un flusso unico e coeso.

Pasquale Catalano/AA.VV.
Allacciate le cinture (2014)
Sony Classical 88843018032
24 brani (5 canzoni + 19 di commento) – durata: 58’08”



Ferzan Ozpetek torna a collaborare con Pasquale Catalano dopo le ottime partiture per Mine Vaganti e Magnifica presenza, quindi, a tutti gli effetti, si può parlare di un nuovo sodalizio tra il regista turco, naturalizzato italiano, e il compositore partenopeo e per entrambi, questa nuova prova, Allacciate le cinture, conferma la brillante forma registica e compositiva. “Tema dolce” apre la colonna sonora con un leitmotiv incantevole, lieve, delicatissimo per piano (Fabrizio Romano), violoncello (Marco Pescosolido), archi soffusi (l’Amarcord Studio Orchestra) e chitarra (Domenico de Luca), nonché una dolcissima fisarmonica: un tema che spalanca il cuore fin dal primo ascolto!

Victor Reyes
Il ricatto (Grand Piano, 2013)
MovieScore Media/Kronos Records MMS14010/KRONCD045  
5 brani – durata: 32’22”



Diamo qui per sufficientemente nota la “teoria dei livelli” di Sergio Miceli. Quella cioè che distingue il livello interno di una musica cinematografica (quando la stessa è prodotta da qualcosa di contestuale al racconto: una radio, uno strumento, un’orchestra in scena); il livello esterno (quando la musica è in funzione di accompagnamento non “realistico”, cioè non suffragata da fonti dirette); e il livello mediato (quando una presenza musicale nasce come livello interno e diviene progressivamente livello esterno: esempio conclamato, il tema dell’Armonica di Morricone in C’era una volta il West).

Alfred Newman
Il diario di Anna Frank (The diary of Anne Frank, 1959)
Real Gone Music 400130
9 brani – durata: 38’22”



La figura di Alfred Newman (1900 – 1970) si staglia in posizione isolata, nella sua grandezza, tra i grandi compositori hollywoodiani della cosiddetta Età d’Oro. Alla guida per un trentennio, dal ’30 al ’60, del dipartimento musicale della 20th Century Fox, per cui compose la celeberrima fanfara-logo e la cui orchestra plasmò in uno strumento dalle indimenticabili caratteristiche, collezionista di Oscar e di nomination, epicentro di un’autentica dynasty di compositori (Emil, Lionel, Thomas, David e Randy sono solo i più noti), Newman è stato un compositore di immensa levatura lirica, dotato di un pathos emozionale unico, capace di accendere stati d’animo, di descrivere speranze e lutti, di rappresentare trionfi e sconfitte attraverso un’orchestrazione particolarmente densa e profonda (che passava per un inconfondibile trattamento degli archi divisi e non di rado attraverso raccoglimenti cameristici) e una felicità melodica che a tratti ricorda le più alte vette del magistero pucciniano. Era il compositore ideale non solo per “pepla” dalla forte impronta melodrammatica (La tunica) ma per melodrammi disperati (L’amore è una cosa meravigliosa), fiammeggianti film d’avventura (Il capitano di Castiglia), graffianti indagini psicologiche e d’ambiente (Eva contro Eva), thriller moderni (Airport) e sontuose ricostruzioni fra storia e romanzo (Anastasia). L’impegno per Il diario di Anna Frank, tuttavia, rappresentò per il compositore qualcosa di particolarmente sofferto e sentito.

Angelo Badalamenti
Stalingrad (Id., 2013)
MovieScore Media/Kronos Records MMS14001/KRONCD036  
17 brani + 1 canzone – durata: 52’41”



Con sei mesi di assedio e di combattimenti, e due milioni di morti, la battaglia di Stalingrado (Agosto 1942), l’attuale Volgograd, è considerata uno dei punti di svolta della seconda guerra mondiale nonché una delle pagine più tragiche di tutto il conflitto. Un evento epico nel quale si fronteggiarono l’Armata Rossa sovietica e l’esercito nazista, che allo scopo aveva distolto molte truppe dal fronte occidentale, segnando così in qualche modo l’inizio della fine della guerra. Evento che nei decenni ha ovviamente molto sollecitato il cinema, con numerose ricostruzioni: anche se ne esistono almeno due di produzione tedesca, Stalingrad (1959) di Frank Wisbar, e Stalingrad (1993) di Joseph Vismaier, con musiche rispettivamente di Herbert Windt ed Enjott Schneider, la versione più celebre dell’evento rimane probabilmente quella di Jean-Jacques Annaud del 2001, Il nemico alle porte, che si avvaleva di una poderosa, sostakovichiana partitura di James Horner.

Ryan Amon
Elysium (Id., 2013)
Varèse Sarabande  VSD 7212
29 brani – Durata: 66’35”



Il giovane debuttante Ryan Amon dichiara esplicitamente i propri modelli: Michael Kamen e John Powell, Abel Korzeniowski e Thomas Newman, John Barry e Ennio Morricone, e naturalmente John Williams. Va quasi da sé che di nessuno di costoro v’è traccia nella sua partitura d’esordio, dopo un’esperienza di compositore per trailer e pubblicità (ora sta già lavorando ad un altro film di Neill Blomkamp, il thriller Chappie), trattandosi evidentemente di predilezioni da ascoltatore, prima e più che da compositore. Di formazione pianista e sassofonista, Amon è un artista che abbraccia entusiasticamente la tecnologia e le sue risorse, ed il cui linguaggio sembra fortemente influenzato dai ritmi rapidi e convulsivi della “musica a campione” pubblicitaria e per i trailer; l’applicazione di questi parametri ad un film su un futuro distopico, post-apocalittico come quello di Blomkamp ha dato come risultante una partitura quasi completamente rumoristica, artefatta, incalzante e ossessiva sul piano del ritmo e tecnologicamente spericolata, i cui effetti potenti e sofisticati ci restituiscono un mondo distorto, sconvolto, miserabile e alienato.

Krzysztof Komeda
Rosemary’s Baby – Nastro rosso a New York (Rosemary’s Baby, 1968)
La-La Land Records LLLCD 1210  - Edizione limitata 3000 copie
34 brani + 2 bonus tracks – Durata: 69’33”



Quando nel 1969 Kryzsztof Komeda morì, appena 38enne, a Varsavia, per le conseguenze di un oscuro incidente durante un party un po’ troppo alcolico a Los Angeles (subì un trauma cranico cadendo da una scarpata, in circostanze mai chiarite, per una spinta del suo amico scrittore Marek Hiasko), lasciò un enorme vuoto sia nel panorama della musica jazz europea, di cui era stato per un decennio protagonista, che nella musica cinematografica, e non solo del suo paese natìo, la Polonia. Krzysztof Trzciński (Komeda era un nome d’arte assunto nell’adolescenza per sfuggire all’ostilità del regime filosovietico di Władysław Gomułka nei confronti del jazz) era infatti egualmente impegnato a fondo su entrambi questi fronti, anche se la maggiore notorietà internazionale gli derivava soprattutto dal primo: l’album “Astigmatic”, del ’65, registrato col suo quintetto lo aveva imposto come uomo di punta del nuovo jazz europeo, le cui caratteristiche segnavano una forte discontinuità con la tradizione d’oltreoceano e sembravano piuttosto assorbire forti influssi dalle più avanzate conquiste dell’avanguardia musicale europea di quegli anni (ricordiamo che in Polonia erano attivi compositori come Penderecki e Lutoslawski).