Arnaud Rebotini
120 battiti al minuto (120 battements par minute, 2017)
Because Music Records
17 brani – Durata: 56’26”

Arnaud Rebotini
Eastern Boys (2013)
Blackstrobe Records
13 brani – Durata: 23’13”

Si discute molto, e legittimamente, se sia lecito e corretto parlare di “cinema gay” come un cinema “di genere” (e l’accezione assumerebbe qui valore ambivalente). Ovvero, se esista una specificità linguistica, estetica e stilistica del cinema su tematiche legate all’omosessualità. Da un lato il rischio è semplicemente quello di ribadire e consolidare una ghettizzazione, sia pure con ottimi intenti (dei quali, com’è noto, sono lastricate le vie dell’inferno…); dall’altro però se esistono festival, rassegne, pubblicazioni dedicate a questi film qualcosa vorrà pur dire. La questione tra l’altro si fa ancora più spinosa se al suo interno distinguiamo tra maschile e femminile. Il cinema di area “lesbo”, ad esempio, oltre a virare spesso sul fronte lirico-melò-sentimentale (si pensi a film recenti come Io e lei o Freeheld), ha tutta l’aria di rivolgersi ad un pubblico maschile, sfruttandone le innegabili vocazioni voyeuristiche (come spiegare altrimenti il clamore intorno allo stucchevole La vita di Adèle di Abdellatif Kechiche?), raramente trovando il rigore e l’asciuttezza necessarie per raccontare storie “dall’interno” (si pensi a Go Fish di Rose Troche, 1994).

Artie Kane
Music to My Years - Life and Love Between the Notes (2017)
Candace Allen/Amphora Editions
pagg.355
www.AmphoraEditions.com

Il nome di Artie Kane (al secolo Aaron Cohen), classe 1929, ebreo americano di Columbus, Ohio, dice forse poco alle giovani generazioni e non moltissimo nemmeno ai più ferventi appassionati di musica per film. Sul grande schermo la sua fama è legata ad un pugno di titoli sui quali spiccano l’inquietante thriller con Faye Dunaway Occhi di Laura Mars (1978), diretto da Irvin Kershner e scritto da John Carpenter, lo spionistico Obiettivo Mortale (1982) di Richard Brooks, con Sean Connery extra-007, e il torbido In cerca di Mr. Goodbar, del ’77, sempre di Brooks, con un’inedita Diane Keaton e un giovanissimo Richard Gere. Per il resto, la sua attività è stata soprattutto televisiva, legata a popolarissime serie tra gli anni ’70 e ’80 come Dynasty, Love Boat, Agenzia Rockford o Wonder Woman.

Thomas Newman
Thank You for Your Service (Id., 2017)
Sony Classical 88985484172
19 brani – Durata: 35’29’’



Forse non tutti sanno che Thomas Newman, prima del lavoro di cui andremo a parlare, aveva già musicato una pellicola sui postumi della guerra. Trattasi di Brothers (2009, di Jim Sheridan), melodramma con Tobey Maguire e Natalie Portman, a sua volta remake di un film di Susanne Bier: un racconto sbilanciato sul versante sentimentale, a dire il vero. Thank You for Your Service (prodotto dalla Dreamworks di Spielberg e purtroppo inedito da noi) si concentra invece con più convinzione sul disturbo da stress post-traumatico che colpisce i soldati di ritorno dalla guerra: vengono infatti narrate le vicissitudini di tre giovani veterani che, tornati dai propri cari in Kansas dopo una spedizione in Iraq, mostrano segni inequivocabili di grande disagio. E la società non li aiuta molto: uno di loro si suicida.

Alexandre Desplat
L’isola dei cani (Isle of Dogs, 2018)
ABKO Music & Records 84932
15 brani + 7 extra – Durata: 43’30”

Nel suo scoppiettante e onnivoro attivismo, Alexandre Desplat sembra aver sviluppato alcune “specializzazioni” che si configurano come altrettanti capitoli all’interno di una filmografia che ormai viaggia oltre i 170 titoli in poco più di un trentennio. Uno di questi capitoli riguarda ad esempio il cinema d’animazione, che il compositore parigino declina sia sul versante puramente fantastico-avventuroso (Le 5 leggende, tanto per dire), sia su quello più leggero (Pets – Vita da animali, un altro cartoon “canino” come quello di cui qui ci occupiamo). Un ulteriore capitolo concerne il sodalizio particolare con alcuni registi, preferibilmente indipendenti e un po’ stravaganti, fra i quali può a buon diritto essere annoverato il surreale e stralunato Wes Anderson, con cui Desplat giunge qui alla quarta collaborazione dopo Fantastic Mr. Fox, Moonrise Kingdom e Grand Budapest Hotel.

Mica Levi
Jackie (Id., 2016)
Milan Music 399 877-2
14 brani – Durata: 34’09”

Sono trascorsi solo cinque anni dal sensazionale debutto nella musica per film di Mica Levi, cantautrice britannica trentenne decisamente “alternativa”, con il fantascientifico e perturbante Under the Skin, e si può affermare che per la giovane compositrice sia iniziata una nuova carriera. Dopo il film di Jonathan Glazer e dopo questo biopic su Jackie Kennedy a firma di Pablo Larraìn, la Levi è stata infatti coinvolta in alcuni corti ma soprattutto in una nuova prova di fantascienza “etica”, Marjorie Prime di Michael Almereyda, e più recentemente nel thriller Monos di Alejandro Landes. Sono terreni dove l’artista, nota nel mondo del rock sperimentale come Micachu, ha evidentemente trovato ottima linfa per un laboratorio sonoro che non somiglia a quello di nessun’altra figura emergente degli ultimi anni.

Alan Silvestri
Avengers: Infinity War (Id. - 2018)
Hollywood Records – Digital Download  
30 brani – Durata: 117’00”



Reduce dalla pirotecnica score per Ready Player One di Steven Spielberg, Silvestri colpisce di nuovo con una partitura ancor più movimentata. Ennesimo episodio dedicato ai supereroi della Marvel, Avengers: Infinity War vede i famigerati paladini, da Capitan America a Iron Man, da Hulk a Black Panther, da Vedova Nera a Thor, alle prese con un villain di nome Thanos che intende conquistare l’universo. Ma alla visione della pellicola la sfida più grande – e impari – risulta quella di Alan Silvestri contro gli effetti sonori; fra colpi ed esplosioni, il maestro ce la mette tutta per far emergere la sua musica, con procedimenti già ampiamente sperimentati in capolavori come Judge Dredd o The Mummy Returns: il titanico coinvolgimento di ottoni e percussioni, l’emergere infuocato di fraseggi agli archi, l’ampio uso di ostinati, ma soprattutto quell’eccezionale escursione dinamica che si può dire abbia fatto ormai la storia della musica per immagini.

Piero Umiliani
L’insegnante (1975)
Digitmovies CDDM282
29 brani – Durata 54'38"



In scia allo strepitoso successo del Malizia (1973) di Salvatore Samperi, il cinema italiano popolare compie un deciso passo verso uno dei suoi filoni di clamoroso seguito: la “commedia-sexy”. Alla fine del decennio si svilupperà un vero e proprio sotto-filone di ambiente scolastico, tra ripetenti allupati, professori vittime di scherzi atroci e variegato personale scolastico devoto a un polo erotico unico, rappresentato da una bellissima protagonista femminile: Gloria Guida, Nadia Cassini, Lilli Carati, Annamaria Rizzoli. E soprattutto lei, la regina: Edwige Fenech. Da qui in poi, dopo le prove generali di simbolismo erotico con l’Ubalda e Giovannona Coscialunga, arriverà per l’attrice il titolo di “insegnante” per antonomasia della cosiddetta “commediaccia”.

Basil Poledouris
Conan il barbaro (Conan the Barbarian, 1982)
e altre pagine di colonne sonore del compositore
Milan Records 399 990-2
21 brani – Durata: 78’ 59’’

A più di trent’anni dalla prima edizione, e dopo le versioni estese di altre etichette, la Milan ripropone la sua versione di 49 minuti della lussuosa score orchestrale di Basil Poledouris per il film Conan il barbaro, celeberrimo fantasy epico firmato John Milius che ha lanciato Arnold Schwarzenegger.

Nick Cave, Warren Ellis
I segreti di Wind River (Wind River, 2017)
Lakeshore Records LSINV185CD
23 brani – Durata: 44’45’’



Quasi tutte le pellicole musicate da Nick Cave e Warren Ellis sono ascrivibili al genere americano per eccellenza, ovvero il western: da La proposta e The Road di John Hillcoat a L’assassinio di Jesse James per mano del codardo Robert Ford con Brad Pitt; film lontanissimi da derive action alla I Magnifici sette (il remake) e inscritti piuttosto nel filone - non certo nuovo - del “western crepuscolare”. Per quanto riguarda Cave, tale specializzazione cine-musicale è una diretta conseguenza del rock cupo e pessimista che ha caratterizzato tutta la sua carriera di musicista post-punk, e Wind River non è che un’altra tappa fondamentale di questo percorso, essendo questo “mistery” con Jeremy Renner e Elizabeth Olsen, nonostante l’assetto da thriller esistenzialista, un vero e proprio western sia per ambientazione (un Wyoming innevato) che per tematiche (la vendetta che prevale sulla giustizia). Sorprendentemente, si tratta di una storia di violenza che riesce nell’ardua impresa di dire qualcosa di non banale sul tema della “frontiera americana”, e il duo Cave/Ellis vi pone un prezioso sigillo con una musica altrettanto originale.

Leonard Bernstein
Fronte del porto (On the Waterfront, 1954)
Intrada INT 7141
20 brani + 4 extra – Durata: 50’13”

Si può entrare nella storia della musica per film con un solo titolo? Se ci si chiama Leonard Bernstein sì.
 Per il semplice motivo che il leggendario maestro americano di radici ebreo-polacche, del quale si celebra quest’anno il centenario della nascita, ha talmente “abitato” la musica in ogni suo aspetto, anfratto, segreto e dispositivo da lasciare in ciascun campo nel quale ha operato un segno indelebile: anche quando, come nel caso appunto delle colonne sonore, il suo contributo è stato quantitativamente limitato.
 Direttore d’orchestra sommo, pianista virtuoso, compositore acclamato, didatta e pedagogo straordinario e amatissimo, Bernstein considerava se stesso – appunto – una bacchetta a tempo parziale al servizio di un musicista a tempo pieno, la cui missione consisteva nel condividere con il maggior numero possibile di persone tutto ciò che lui sentiva e conosceva della musica. Il che è avvenuto puntualmente operando un abbattimento, o meglio una mescolanza, dei diversi generi da Bernstein esplorati: ecco perché West Side Story sembra un musical ed è in realtà un’opera lirica tra le massime espressioni del teatro musicale del ‘900, o perché la partitura di Fronte del porto è a tutti gli effetti una delle più straordinarie prove di drammaturgia musicale applicata ad un film di tutta la storia del cinema, ma è anche una memorabile prova di sinfonismo moderno.